Cinema Teatral

faces metafóricas

2009-10-12T20:15:00.000-07:00

Matrix - eu morri em 1999

2009-02-16T18:15:00.000-08:00

O FILME QUE ME FEZ APAIXONAR PELO CINEMA

Todas pessoas que viram Matrix tiveram uma experiência de quase metamorfose, na forma de encarar o inimaginável.

Eu me lembro como se fosse hoje, chegando ao cinema em um sábado a noite, sem saber que filme estava em cartaz... entrei e me deparei com o impossível se tornado realidade na frente dos meus olhos, por isso digo que morri em 1999, porque acredito que aquela sensação que meus poros experimentaram, eu nunca mais sentirei de novo na 7º Arte. Foi única e inexplicável.

A Matrix é software de altíssima tecnologia, que cria ilusões na mente das pessoas confinadas, para dar lhes a impressão que estão vivendo no ano de 1999. Claro que isso se deve pelo ataque dos homens as máquinas, impossibilitando-as de adquirir energia solar para a sua sobrevivência, por causa disso as maquinas rebelaram se contra os homens e os colocaram em casulos de metal, para nisso conseguir a energia que lhes faltavam. Elas criaram a Matrix que é uma simulação do mundo real, para que os indivíduos nunca saíssem de seu estado de confinamento.

Neo é o protagonista da historia que conseguiu se libertar da Matrix através da ajuda de Morpheus e Trinity, que fazem parte da rebelião contra o atual sistema tirano. Eles acreditam que Neo é o escolhido para libertar a humanidade da escravização das maquinas e isso se torna verdade quando Neo mostra todo o seu potencial durante o filme.

No seu caminho de descobertas, Neo, passa por grandes duvidas de sua missão. Ele é desencorajado a prosseguir pelo o oráculo do filme, mas continua, mesmo sabendo que os agentes da Matrix podem o matar. Esses agentes são programas com o propósito de manter a Matrix em ordem contra ameaças do sistema.

Talvez um dos grandes obstáculos do Neo, seja o agente Smith que tem as mesmas intenções do escolhido, mas em nível contrário ao dele, nisso se desenrola um contraposto interessante no filme, levando a analises filosóficas existências e grande linguagem tecnológica.

O filme tem um final surpreendente, pois Neo conseguiu se libertar até das leis da física dentro da Matrix, já que ele sabe que tudo aquilo, não passa de uma grande mentira para enganar os seus sentidos. Neo se sobressai, mas deixa um legado pior, no intuito de aniquilar o agente Smith, Neo acaba por libertá-lo da Matrix, fazendo com que o agente se torne como um vírus dentro do sistema operacional.

O filme foi muito bem criticado em 1999, levando 4 oscares em categorias técnicas, pois os seus efeitos digitais foram um marco para a época. Matrix também trouxe questões bíblicas, mitológicas, filosóficas e da cultura Cyberpunk para fóruns de discussões e ate salas de aulas de universidades.

Uma historia bem montada, baseada em um anime chamado Ghost in the Shell, Matrix se popularizou rápido, ao ponto que em 4 anos 2 continuações do filme chegasse aos cinemas, repetindo relativamente o sucesso que o 1º filme obteve.

113 Anos do Cinema

2009-02-16T17:58:00.000-08:00

Passou ligeiramente desapercebido. No último dia 28 de dezembro o nosso cinema de cada dia completou 113 anos de uma incrível existência. Em 1895, os irmãos Lumiére promoveram a primeira apresentação pública de um filme, no Gran Café, em Paris. Utilizando o cinematógrafo (aparelho desenvolvido utilizando os moldes do cinetoscópio de Thomas Edison e os filmes inventados por Reinchenbach para a Kodak), Louis e Auguste Lumiére exibiram 10 pequenos filmes em 2 minutos para uma platéia formada por algumas ilustres pessoas.

Entre as cenas exibidas, coisas não muito extraordinárias hoje, mas a projeção e o movimento eram os destaques, não necessariamente as histórias. Títulos como A Saída da Fábrica Lumiére (isso mesmo, pessoas deixando uma fábrica após um dia de trabalho) e Demolição de Um Muro (!), onde além de o muro ser …er…demolido, ele é reconstruído utilizando apenas o controle reverso do projetor. Mas nada como a lendária exibição de Chegada de um Trem à Estação, onde o público, com medo de ser esmagado pelo trem que se aproximava na tela, se escondeu sob as poltronas ou saíram correndo com medo da locomotiva projetada.

Na platéia do fatídico dia 28 de dezembro de 1895, estava ninguém menos do que George Méliès, o primeiro grande mago do cinema (literalmente, já que Méliès trabalhava como mágico nas horas vagas). Ele foi o responsável por um dos grandes filmes do início do século XX, Viagem à Lua, de 1902. De lá pra cá, vimos o cinema sofrer suas mudanças. Do cinema mudo de Chaplin, Rudolph Valentino e Gloria Swanson para o cinema falado com o filme O Cantor de Jazz, Al Johnson despertando certa polêmica na época.

Do preto-e-branco passamos aos filmes em cores graças ao Technicolor, sendo que o primeiro filme totalmente colorido é Vaidade e Beleza, de 1935, adaptação do livro Vanity Fair (que teria outras adaptações ao longo do século). A primeira animação colorida pertence aos estúdios Disney e é Flowers and Trees, de 1932. Juntando a novidade do som e o hipnotismo das cores, vimos a era de ouro dos grande musicais e surgir nomes como Gene Kelly, Fred Astaire, Ginger Rogers e Judy Garland.

Desde então o cinema evoluiu de uma maneira tão surpreendente, que chega a impressionar mesmo àqueles que convivem com a realidade do século XXI. revoluções digitais capaz de recriar um oceano perfeito (Procurando Nemo), trazer à vida o que não existe (Gollum, Dementadores, etc) e criar mundos paralelos (Nárnia, Terra Média, Hogwarts). Ainda somos encantados por musicais incríveis, que tentam se reinventar. Ainda somos tomados de assalto por comédias que nos fazem rir e dramas que nos fazem chorar (ou vice-versa). A verdade é que a única coisa que não mudou de 1895 pra cá é a capacidade de transformar uma grande idéia numa incrível história e o poder que a magia dos filmes exercem sobre os pobres mortais apreciadores da sétima arte.

Gravações II

2009-01-14T14:11:00.000-08:00

A digitalização tomou conta de muitas áreas de nossas vidas atualmente e até mesmo dentro de nossas formas de expressar ao mundo ela se mantém perene, mas isso enlouquece.

Imaginem alguém maluco quanto a essa realidade?

Gooxe e Thimm em:

Tudo Digital

http://divulgamixtapes.podomatic.com/player/web/2009-01-12T16_21_58-08_00

Gravações

2009-01-09T16:22:00.000-08:00

O Gooxe sempre foi um amigo de longa data e hoje reconheço que parcelas dos meus desenvolvimentos e descobertas artísticas devem-se a ele, já que boa parte das vezes era em seus amistosos momentos em sua casa que nos reuníamos para criarmos personagens e personificar através de vozes, esses inanimados do gênero.

É gostoso lembrar-me dessas gravações antigas, que eram feitas por um gravador de voz do Gooxe, da qual nem sei onde foi parar atualmente, acredito que ele deva ter jogado na privada e dado descarga achando que era de zinco, isso era um ritual comum para ambos.

A única dúvida presente é de quem é a criação de cada personagem?

Como não nos lembramos, deixamos como se a historia fosse assim:

__um dia, casualmente, houve na “Gooxe Kaza” uma catalogação, dentro de um caderno de capa preta em camurça, na qual havia uma espécie de chave que o mantinha sem acessos externos, todas as personalidades e atitudes das personagens baseados em pessoas da vida real recriadas por eles. No final das discrições, Gooxe se dirigiu a Thimm e lhe passou um acrílico, onde foi guardado até os dias atuais o tal caderno.

A pior inimiga nessa historia é mesmo a qualidade, não que ela esteja ruim pela ação do tempo, o problema era a potência do gravador da época. Pode até parecer tosco a gravação, porém tem roteiro, improvisações, jargões próprios, interação e principalmente prazer, muito prazer que havia dentro de nós para produzir essas tapes.

http://divulgamixtapes.podomatic.com/player/web/2009-01-08T16_36_43-08_00

Laranja Mecânica (Livro)

2008-12-22T16:07:00.000-08:00

O best-seller de Anthony Burgess, A laranja mecânica, escrito em 1962, chegou ao Brasil na década de 70. Mais de quarenta anos depois, esta ficção não perdeu sua atualidade.

O protagonista Alex, amante da música clássica ( principalmente Bethoveen e Mozart) e líder de uma gangue delinquentes que matam, roubam e estupram, cai nas mãos da polícia. Preso, Alex é usado em experimento chamado " Ludovico ", criado pelo Estado, destinado a refrear os impulsos destrutivo. Quando volta às ruas, totalmente regenerado, passa a sofrer com aqueles que antes eram as vítimas. Após ser usado num jogo político pelo partido de esquerda, o Estado reverte o seu" tratamento". Alex volta a formar outra gangue de drugues, porém num certo momento, cansado de toda a violência que cometeu, escolhe, por sua própria vontade, ter uma vida normal.

Para complementar o vocabulário de seus personagem, Anthony Burgess criou mais de duzentas palavras baseadas nas gírias dos ciganos ingleses, na própria língua inglesa, em expressões eslavas (algumas vezes alteradas semanticamente) e fez ainda associações de idéias, aglutinações e jargões rimados ingleses.

A questão abordada neste livro, trata do princípio de humanidade, que é a liberdade de escolha. A definição de ser humano é justamente possuir liberdade de escolher. Nas palavras do próprio autor:
"...O ser humano é dotado de vontade. E pode usá-la para escolher entre o bem e o mal. Se só pode fazer o bem, ou só pode fazer o mal, é uma laranja mecânica- significa que tem aparência de um organismo adorável, com cor e suco, mas que na realidade é um brinquedo mecânico para ser manipulado por Deus ou pelo Diabo ou (que o está substituindo cada vez mais) o Todo-poderoso Estado. É tão inumano ser totalmente bom quanto totalmente mau. O importante é a escolha moral. O mau tem que existir junto com o bem, de modo que a escolha moral possa existir."

Burgess colocou em evidência neste livro suas duas maiores paixões, que são a música e a linguagem.
"Alex não é somente desprovido da capacidade de escolher cometer o mal.

Um amante da música, ele respondeu a ela no tratamento, que era usada para elevar a emoção acompanhando os filmes violentos que o fizeram assistir. Uma substância química injetada no seu sangue induzia náusea, enquanto ele assistia aos filmes, mas a náusea é também associada à música. Essa não era a intenção dos seus manipuladores do Estado introduzir esse bônus (ou malus): foi puramente um acidente que, ele reacionará a Mozart ou Bethoven como se fosse matar ou estuprar. O Estado foi bem sucedido em seu objetivo primário: negar a Alex a liberdade de escolha moral, que, para o Estado, era escolher o malígno. Mas foi adicionado um castigo não previsto: as portas do paraíso foram fechadas para o rapaz, já que para ele a música era uma felicidade celestial. O Estado cometeu um duplo pecado: destruiu um ser humano, tendo que a humanidade é definida pela liberdade de escolha moral, e também destruiu um anjo."

Nosso personagem principal é muito vaidoso em relação à estética, tanto musical, visual, quanto linguística (a sua maneira, é claro), e desenvolvendo até um dialeto próprio. Essa linguagem foi construída por Burgess a partir do Russo e da gíria Cockney (das arquibancadas dos estádios ingleses dos anos 50), que é um dos motivos da grande importância deste livro para a literatura mundial.

2008-12-19T10:26:00.000-08:00

Usar disfarces, não é o projeto que eu me habilito, somente deixo isso para as minhas personagens.

Porém a questão é:

Será que estou mesmo disfarçando com as personagens ou será eu na vida real um disfarce e na ficção fragmentos de uma grande verdade?

Sou igual ao Mickey, ninguém nunca sabe quem está por baixo da máscara.

O irônico é que se eu retirar a máscara do Mickey haverá outra máscara por baixo.

Somente para depois eu descobrir que na verdade eu não era o Mickey, mas sim a personagem de baixo.

MANA

2008-11-05T14:29:00.000-08:00

struktur digoncang

anak-anak baris:

Matulian

bertaruh

gurau

besar-pak

berbohong

NEUROMANCER

2008-11-05T13:51:00.000-08:00

Neuromancer conta a história de Case, um hacker traidor que teve seu cérebro permanentemente danificado e, em seguida, foi exilado por seus superiores em uma decadente região do Japão, sem acesso à Matrix, buscando a sobrevivência no submundo do planeta. No entanto, quando Case estava chegando ao seu fim, ele recebe a visita de Molly, uma espécie de agente secreta enviada para contratar seus serviços para uma missão cibernética suicida, que não admite erro.

Esta missão é como uma segunda chance, pois Case não tem alternativa: ou obtém o sucesso ou volta ao exílio em piores condições do que antes - o que significa a morte. Em suma, esta é a única possibilidade de redenção de Case para escapar do exílio e da morte. E voltar ao Ciberespaço.

Case é uma espécie de super-hacker do futuro, especializado em penetrar em sistemas corporativos para espalhar vírus e obter informações sigilosas. No mundo em que ele habita, a tecnologia consegue transformações espantosas na biologia do ser humano como, por exemplo, implantes variados (como o de chips no cérebro e de punhais embaixo das unhas) olhos computadorizados, mudanças no caminho de canais lacrimais (no caso de uma das personagens do livro, estes são desviados para a boca) drogas sintéticas alucinógenas sofisticadíssimas...

A tecnologia do futuro bolada pelo autor possibilita até mesmo ressuscitar algumas pessoas. Um dos acontecimentos mais importantes em Neuromancer, inclusive, só pôde acontecer graças ao avanço da medicina: após tentar enganar os patrões, é implantada uma toxina no corpo de Case para que este morra dentro de um tempo determinado. Esse fato, aliás, já dá uma boa mostra de que o futuro mostrado no livro está longe de ser um mar de rosas.

Gibson prende o leitor com uma narrativa que anteviu os termos computacionais e estabeleceu um ritmo de thriller ao livro, com uma linguagem cinematográfica, povoada de referências à corporações, punk rock, drogas, sexo e violência. Neuromancer é um romance que extrapolou a condição de ficção e se tornou um referencial obrigatório sobre teorias acerca do Ciberespaço e Internet.

É uma tese sobre como a computação pode alterar as relações humanas, o ritmo de sobrevivência e a percepção da vida real. Com o livro, Gibson marcou definitivamente a sua presença na cultura pop ao ser a grande influencia da trilogia cinematográfica Matrix e dar origem a estética do Ciberpunk - gênero muito explorado em filmes, livros e games.

Teatro do Oprimido

2008-10-01T16:42:00.000-07:00

Para iniciar uma abordagem sobre o “Teatro do Oprimido”, torna-se necessário uma apresentação de seu criador, o dramaturgo, diretor e teórico de teatro Augusto Boal, nascido no Rio de Janeiro em 1931, cujo nome completo é Augusto Pinto Boal. Este carioca que atualmente dirige centros de teatro na França e no Rio de Janeiro busca sempre lutar contra todas as formas de opressão, desenvolvendo na sua luta a favor dos explorados e oprimidos, um teatro de cunho político, libertário e transformador. No período em que a ditadura militar reprimiu com maior força a voz do povo e de seus representantes, nos diferentes âmbitos sociais, Boal aliou-se a educadores e intelectuais da América Latina, dispostos a desenvolverem uma tomada de consciência dos oprimidos, a começar pelo projeto de alfabetização, ALFIN – Programa de Alfabetização Integral, no Peru, na década de setenta, cuja concepção metodológica do projeto era inspirada na pedagogia do oprimido de Paulo Freire.

O “Teatro do Oprimido”, de acordo com o próprio Boal, pretende transformar o espectador, que assume uma forma passiva diante do teatro aristotélico, com o recurso da quarta parede, em sujeito atuante, transformador da ação dramática que lhe é apresentada, de forma que ele mesmo, espectador, passe a protagonista e transformador da ação dramática. A idéia central é que o espectador ensaie a sua própria revolução sem delegar papéis aos personagens, desta forma conscientizando-se da sua autonomia diante dos fatos cotidianos, indo em direção a sua real liberdade de ação, sendo todos “espect-atores”.

A poética do Teatro do Oprimido está organizada em diferentes formas/técnicas de ações dramáticas, acrescentando que para Boal o teatro é ação.

O “Teatro-Jornal” foi uma forma de ação teatral desenvolvida por Boal no Teatro de Arena, em São Paulo, no período anterior a sua saída do Brasil por força da ditadura daquele momento. Desde 1956 ele dirigia o teatro de Arena, onde permaneceu por quinze anos consecutivos. Esta técnica pretende que se transforme quaisquer notícias de jornal, ou qualquer outro material sem propósito dramático, em cenas ou ações teatrais.

O “Teatro-Imagem”, que integra a estética do Teatro do Oprimido, tem a intenção de ensaiar uma transformação da realidade, através do uso da imagem corporal. Primeiramente, um ator decide um tema problema a ser tratado, que pode ser local ou global, mas que de certa forma tenha um significado para a maioria do grupo. Em seguida alguns atores se disponibilizam no espaço cênico como massas moldáveis, ou melhor, futuras estátuas, o ator protagonista vai esculpindo essas estátuas buscando representar imageticamente a situação em questão. É fundamental que haja silêncio total. Ao montar o quadro vivo os espect-atores são convidados a modificarem as imagens problema para uma situação ideal. Por fim, cria-se a imagem de transição entre o problema e a solução.

O “Teatro-Fórum” é uma técnica em que os atores representam uma cena até a apresentação do problema, e em seguida propõem aos espectadores que mostrem, por meio da ação cênica, soluções para o então problema apresentado.

Outra possibilidade de ação dramática dentro do arsenal do Teatro do Oprimido é o “Teatro Invisível”, cuja proposta é a representação de uma cena diante de pessoas que não sabem que estão sendo espectadoras da ação dramática, e precisa acontecer num ambiente diferente do teatral, o mais dentro do cotidiano das pessoas. Para esta forma de apresentação é preciso a preparação de um roteiro de improvisação, onde já se ensaie a possível interferência do espectador no ato estético coletivo. Cabe aos atores prolongarem a discussão dos espectadores a respeito do tema abordado na cena, de forma que outros “atores anônimos” se insiram no contexto e reafirme a veracidade da ação para o espectador, que neste momento já passa a ser protagonista da ação teatral proposta. É imprescindível o caráter invisível dos atores para que os espec-atores atuem com liberdade.

O “Teatro-fotonovela” apresenta uma forma de desmistificação da Fotonovela, por ser uma literatura direcionada as classes mais baixas da população, isto antes da popularização da TV, e por veicular uma ideologia própria das classes dominantes. Na prática é fazer a leitura de uma fotonovela, sem que os atores saibam que se trata de um folhetim fotografado, enquanto esses atores vão interpretando a história que está sendo lida. Em seguida partem para refletir sobre as ações que foram produzidas pelos atores e as que estão publicadas paralelamente as falas, com isto, é comum perceber distorções, pela minoria que produz essas fotonovelas, em relação a real situação dos sujeitos mencionados pela história.

A “Quebra de Repressão” é uma técnica de ensaio para resistência a uma repressão futura. Consiste em solicitar a um participante que relembre um momento ao qual tenha sido vítima de uma repressão. Então esta pessoa escolhe outras presentes para lhe auxiliar na reconstrução da cena já vivenciada. Após a dramatização da vivência, pede-se que o protagonista resista a tal opressão e que os outros espect-atores mantenham as ações repressivas.

Há ainda outras técnicas desenvolvidas por Boal, como o “Teatro Mito”, que propõe evidenciar as verdadeiras características dos mitos, o “Teatro-Julgamento”, onde há uma improvisação cênica e posteriormente, busca-se retirar as máscaras sociais de cada personagem, e ainda, uma técnica do teatro popular, denominada “Rituais e Máscaras”, que consiste em descaracterizar as convenções, ou posturas, impostas nas relações sociais principalmente em níveis diferentes, coisificando um ser humano diante do outro.

Dentro do “Teatro do Oprimido” existe uma figura muito importante para o desenvolvimento da cena junto aos espectadores, esta peça é o “Curinga”. O Curinga é um ator responsável em desempenhar diferentes papéis nesta prática teatral, pode substituir o protagonista nos impedimentos, assume papel de diretor cênico, passa a fomentador das questões, enfim, assume diferentes funções de acordo com a dinâmica da improvisação.

Cinema Nasce

2008-09-06T06:01:00.000-07:00

Cinema (do grego Kinema = movimento) é a arte de produzir imagens em movimento.
Ao sintetizar um pouco da história do cinema no presente texto, é importante lembrar que, a arte cinematográfica ainda é muito nova, e por isso suas permutações ainda estão longe de acabar. É importante que a espessura acumulada de história do cinema não nos faça acreditar que o cinema chegou ao esgotamento enquanto forma de arte. Apesar de o cinema atualmente parecer tender a definir sua identidade em relação ao seu gêmeo perverso, o espectro da televisão, temos que levar em consideração que as duas formas de representação da imagem ainda vão permanecer distintas. Mesmo com a inevitável chegada da tecnologia digital na produção de filmes, o que irá provocar o barateamento dos mesmos.
Por ser uma arte complexa (relaciona fotografia, teatro, pintura, música) e nova (100 anos) o cinema ainda tem um longo caminho a ser traçado, há com certeza um futuro para esta ilusão secular.

ORIGEM

Indícios históricos e arqueológicos comprovam que é antiga a preocupação do homem com o registro do movimento. O desenho e a pintura foram as primeiras formas de representar os aspectos dinâmicos da vida humana e da natureza, produzindo narrativas através de figuras. O jogo de sombras do teatro de marionetes oriental é considerado um dos mais remotos precursores do cinema. Experiências posteriores como a câmara escura e a lanterna mágica constituem os fundamentos da ciência óptica, que torna possível a realidade cinematográfica.
Jogos de sombras – Surge na China, por volta de 5.000 a.C. É a projeção, sobre paredes ou telas de linho, de figuras humanas, animais ou objetos recortados e manipulados. O operador narra a ação, quase sempre envolvendo príncipes, guerreiros e dragões.
Câmara escura – Seu princípio é enunciado por Leonardo da Vinci, no século XV. O invento é desenvolvido pelo físico napolitano Giambattista Della Porta, no século XVI, que projeta uma caixa fechada, com um pequeno orifício coberto por uma lente. Através dele penetram e se cruzam os raios refletidos pelos objetos exteriores. A imagem, invertida, inscreve-se na face do fundo, no interior da caixa.
Lanterna mágica – Criada pelo alemão Athanasius Kirchner, na metade do século XVII, baseia-se no processo inverso da câmara escura. É composta por uma caixa cilíndrica iluminada a vela, que projeta as imagens desenhadas em uma lâmina de vidro.

PRIMEIROS APARELHOS

Para captar e reproduzir a imagem do movimento, são construídos vários aparelhos baseados no fenômeno da persistência retiniana (fração de segundo em que a imagem permanece na retina), descoberto pelo inglês Peter Mark Roger, em 1826. A fotografia, desenvolvida simultaneamente por Louis-Jacques Daguerre e Joseph Nicéphore Niepce, e as pesquisas de captação e análise do movimento representam um avanço decisivo na direção do cinematógrafo.
Fenacistoscópio - O físico belga Joseph-Antoine Plateau é o primeiro a medir o tempo da persistência retiniana. Para que uma série de imagens fixas dêem a ilusão de movimento, é necessário que se sucedam à razão de dez por segundo. Em 1832, Plateau inventa um aparelho formado por um disco com várias figuras desenhadas em posições diferentes. Ao girar o disco, elas adquirem movimento. A idéia era apresentar uma rápida sucessão de desenhos de diferentes estágios de uma ação, criando a ilusão de que um único desenho se movimentava.
Praxinoscópio – Aparelho que projeta na tela imagens desenhadas sobre fitas transparentes, inventado pelo francês Émile Reynaud (1877). A princípio uma máquina primitiva, composta por uma caixa de biscoitos e um único espelho, o praxinoscópio é aperfeiçoado com um sistema complexo de espelhos que permite efeitos de relevo. A multiplicação das figuras desenhadas e a adaptação de uma lanterna de projeção possibilitam a realização de truques que dão a ilusão de movimento.
Fuzil fotográfico – Em 1878 o fisiologista francês Étienne-Jules Marey desenvolve o fuzil fotográfico: um tambor forrado por dentro com uma chapa fotográfica circular. Seus estudos se baseiam na experiência desenvolvida, em 1872, pelo inglês Edward Muybridge, que decompõe o movimento do galope de um cavalo. Muybridge instala 24 máquinas fotográficas em intervalos regulares ao longo de uma pista de corrida e liga a cada máquina fios que atravessam a pista. Com a passagem do cavalo, os fios são rompidos, desencadeando o disparo sucessivo dos obturadores, que produzem 24 poses consecutivas.
Cronofotografia – Pesquisas posteriores sobre o andar do homem ou o vôo dos pássaros levam Étienne-Jules Marey, em 1887, ao desenvolvimento da cronofotografia a fixação fotográfica de várias fases de um corpo em movimento, que é a própria base do cinema.

Cinetoscópio – O norte-americano Thomas Alva Edison inventa o filme perfurado. E, em 1890, roda uma série de pequenos filmes em seu estúdio, o Black Maria, primeiro da história do cinema. Esses filmes não são projetados em uma tela, mas no interior de uma máquina, o cinetoscópio – também inventado por Edison um ano depois. Mas as imagens só podem ser vistas por um espectador de cada vez.

Cinematógrafo – A partir do aperfeiçoamento do cinetoscópio, os irmãos Auguste e Louis Lumière idealizam o cinematógrafo em 1895. O aparelho – uma espécie de ancestral da filmadora – é movido a manivela e utiliza negativos perfurados, substituindo a ação de várias máquinas fotográficas para registrar o movimento. O cinematógrafo torna possível, também, a projeção das imagens para o público. O nome do aparelho passou a identificar, em todas as línguas, a nova arte (ciné, cinema, kino etc.).

Auguste Lumière (1862-1954) e Louis Lumière (1864-1948) nascem em Besançon, na França. Filhos de um fotógrafo e proprietário de indústria de filmes e papéis fotográficos, eram praticamente desconhecidos no campo das pesquisas fotográficas até 1890. Após freqüentarem a escola técnica, realizam uma série de estudos sobre os processos fotográficos, na fábrica do pai, até chegarem ao cinematógrafo. Louis Lumière é o primeiro cineasta realizador de documentários curtos. Seu irmão Auguste participa das primeiras descobertas, dedicando-se posteriormente à medicina.

CINEMA MUDO

A apresentação pública do cinematógrafo marca oficialmente o início da história do cinema. O som vem três décadas depois, no final dos anos 20.

A primeira exibição pública das produções dos irmãos Lumière ocorre em 28 de dezembro de 1895, no Grand Café, em Paris. A saída dos operários das usinas Lumière, A chegada do trem na estação, O almoço do bebê e O mar são alguns dos filmes apresentados. As produções são rudimentares, em geral documentários curtos sobre a vida cotidiana, com cerca de dois minutos de projeção, filmados ao ar livre.

CINEMA FALADO

O advento do som, nos Estados Unidos, revoluciona a produção cinematográfica mundial. Os anos 30 consolidam os grandes estúdios e consagram astros e estrelas em Hollywood. Os gêneros se multiplicam e o musical ganha destaque. A partir de 1945, com o fim da 2ª Guerra, há um renascimento das produções nacionais – os chamados cinemas novos.
PRIMEIRAS EXPERIÊNCIAS - As primeiras experiências de sonorização, feitas por Thomas Edison, em 1889, são seguidas pelo grafonoscópio de Auguste Baron (1896) e pelo cronógrafo de Henri Joly (1900), sistemas ainda falhos de sincronização imagem-som. O aparelho do americano Lee de Forest, de gravação magnética em película (1907), que permite a reprodução simultânea de imagens e sons, é comprado em 1926 pela Warner Brothers. A companhia produz o primeiro filme com música e efeitos sonoros sincronizados - Don Juan (Don Juan - 1926), de Alan Crosland, o primeiro com passagens faladas e cantadas - O Cantor de Jazz (The Jazz Singer - 1927), também de Crosland, com Al Jolson, grande nome da Broadway, e o primeiro inteiramente falado - Luzes de Nova York, de Brian Foy (Lights of New York - 1928).

CONSOLIDAÇÃO - Em 1929 o cinema falado representa 51% da produção norte-americana. Outros centros industriais, como França, Alemanha, Suécia e Inglaterra, começam a explorar o som. A partir de 1930, Rússia, Japão, Índia e países da América Latina recorrem à nova descoberta.
A adesão de quase todas as produtoras ao novo sistema abala convicções, causa a inadaptação de atores, roteiristas e diretores e reformula os fundamentos da linguagem cinematográfica. Diretores como Charles Chaplin e René Clair estão entre os que resistem à novidade, mas acabam aderindo. Alvorada do Amor (The Love Parade - 1929), de Ernst Lubitsch, O Anjo Azul (Der Blaue Engel / The Blue Angel - 1930), de Joseph von Sternberg, e M, o Vampiro de Dusseldorf (M - 1931), de Fritz Lang, são alguns dos primeiros grandes títulos.
Dos anos 30 até a 2ª Guerra, apesar de Hollywood concentrar a maior parte da produção cinematográfica mundial, alguns centros europeus como França, Alemanha e Rússia produzem obras que merecem destaque.

Teatro do Absurdo

2008-09-06T05:03:00.000-07:00

"Que absurdo!"

O Teatro do Absurdo nasceu do Surrealismo, sob forte influência do drama existencial. O Surrealismo, que explora os sentimentos humanos, tecendo críticas à sociedade e difundindo uma idéia subjetiva a respeito do obscuro e daquilo que não se vê e não se sente, foi fundamental para o nascimento desse gênero que buscava, na segunda metade do século XX, representar no palco a crise social que a humanidade vivia, apontando os paradigmas e os valores morais da sociedade como fatores principais da crise. A principal fonte de inspiração dos dramas absurdos era a burguesia ocidental, que, segundo os teóricos do Absurdo, se distanciava cada vez mais do mundo real, por causa de suas fantasias e ceticismo em relação às conseqüências desastrosas que causava ao resto da sociedade.

Como o próprio nome diz, o Teatro do Absurdo propõe revelar o inusitado, mostrando as mazelas humanas e tudo que é considerado normal pela sociedade hipócrita. Essa vertente desvela o real como se fosse irreal, com forte ironia, intensificando bem as neuroses e loucuras de personagens que, genericamente, divulgam o homem como um psicótico, um sofredor, um ser que chega às últimas conseqüências, culminando sempre na revolução, no atrito, na crise e na desgraça total. Extremamente existencialista, o Absurdo critica a falta de criatividade do homem, que condiciona toda a sua vida àquilo que julga ser o mais fácil e menos perigoso, se negando a ousar, utilizando-se de desculpas para justificar uma vida medíocre.

O Teatro do Absurdo foca principalmente o comportamento humano, deflagrando a relação das pessoas e seus atos concomitantes. O objetivo maior desse gênero é promover a reflexão no público, de forma que a maioria dos roteiros absurdos procuram expor o paradoxo, a incoerência, a ignorância de seus personagens em um contexto bastante expressivo, trágico, aprofundado pela discussão psicológica de cada personagem apresentado, com uma nova linguagem. Para Ionesco, Membro da Academia Francesa, autor de um dos primeiros espetáculos absurdos, como A Cantora Careca (1950), “renovar a linguagem, é renovar a concepção, a visão do mundo”. Essa linguagem é traduzida não só nas palavras de cada um dos personagens, e sim em todo o contexto inovador, pois cada elemento no Teatro do Absurdo influencia a mensagem, inclusive os objetos cênicos, a iluminação densa e utópica, além dos figurinos. Todos esses elementos materiais do espetáculo contribuem para o enriquecimento da mensagem que deve ser clara para não haver dúvidas por parte do público. A ironia constitui-se numa figura de linguagem extremamente difícil de ser praticada no palco, pois, exagerada ou mal formulada, pode ganhar um sentido contrário àquele intencionado pelo diretor. Um outro fator importante é que, no Teatro do Absurdo, muitas vezes o cenário, o figurino e a nuanças nas interpretações se tornam ainda mais importantes do que o próprio texto. O texto em si promove uma nova leitura, cuja concepção tornará possível a construção cênica dentro de um viés preferido pelo diretor.

Samuel Beckett

Um dos autores de vanguarda do Teatro do Absurdo é Samuel Beckett autor do clássico Esperando Godot, que conta a história de dois personagens que esperam ansiosos por ajuda numa terra onde nada acontece de inovador, onde tudo se repete sem cessar, obrigando os angustiados personagens a tentar iludir a tristeza e frustração. Esse texto traduz perfeitamente a essência do Absurdo, sendo Beckett uma pessoa que, desde jovem manifestava seu dom à rebeldia, sendo um homem contrário a religiosidade, mesmo sendo de família protestante, além de ser um homem adepto à revolução dos costumes. O Absurdo, assim como o Dadaísmo, promoveu a revolução na linguagem e na ideologia da sociedade, obtendo muitas críticas de um público que, apesar de proletário, consumia o idealismo burguês da época. Harold Pinter (1930- ), autor de Velhos Tempos, O Zelador, A Coleção e o autor americano Edward Albee (1928 - ), autor de Quem Tem Medo de Virginia Woolf?, buscaram a orientação absurda para tecer suas críticas em favor das classes menos favorecidas, constituindo obras anti-literárias, com o mesmo brilhantismo de Ionesco e Beckett (que ganhou o Prêmio Nobel em 1969), com identidades próprias que lhes deram lugar de destaque na história da arte dramática.
A partir das ideologias de Artaud de quebra com os paradigmas clássicos do teatro ocidental, surgiu o “Teatro Pânico”, uma forma de Teatro do Absurdo calcado no drama e em contextos que mostram a revolta do autor perante o mundo. Apesar de possuir algumas idéias artaudianas, o Teatro Pânico mantém elementos básicos do teatro ocidental, como o diálogo de seus personagens. Esse gênero foi essencial para reafirmar o Teatro do Absurdo como vertente teatral, propondo a forma agressiva de expor seus personagens numa crítica mordaz contra a sociedade, onde homens e mulheres vivem suas vidas num limite extremo, sempre numa virtual solidão.

Fernando Arrabal

A concepção de Teatro Pânico nasceu em fevereiro de 1962, em Paris, e misturava terror com humor. A filosofia pânica diz que a memória é fundamental para o homem, pois esse não passa de um grande fundo de saberes que, com o passar dos anos, compõe um quadro estético, ético e moral. Na visão de um dos principais diretores do Teatro Pânico, o espanhol Fernando Arrabal, autor de A Guerra dos Mil Anos, o Pânico mistura a vida privada com a vida artística, o lirismo e a psicologia, onde o teatro passa a ser encarado como um jogo, ou uma festa. Muitos associaram o Pânico com o Dadaísmo, gênero que contesta a razão em prol do subjetivo. Dessa forma, os espetáculos pânicos propõem, acima de tudo, uma linguagem extremamente transcendental em relação aos temas abordados. Nada disso poderia ser possível sem a estruturação do Teatro do Absurdo que possibilitou no homem uma evolução no que se diz respeito aos seus dogmas.

Acting o "segredo" de Stanislavski

2008-08-02T12:06:00.001-07:00

Depois de observar constantemente as formas de interpretação, Constantin Stanislavski chegou à conclusão de que o ator deve parecer o mais possível com a vida real. Quando papel e ator estão conectados, o papel ganha vida - e o que se faz necessário é constituir uma técnica capaz de possibilitar que isto sempre ocorra. Portanto, ensinava que: Esqueça de tudo, deixe fluir, mas lembrem-se: isto pode acontecer algumas vezes em sua carreira, ou mesmo nunca. O que existe é técnica. Todo o resto depende da forma (particular) com que você atua. Isso certamente depende de como o ator se aproxima do seu papel, do quanto ama o seu papel.

O Sistema consiste num método complexo para produzir a atuação realística; a maioria dos bons atores atuais (quer do teatro ou cinema) devem a este aprendizado parte do sucesso que alcançam. Usando o Sistema, uma ator é levado a proceder a uma profunda análise de si mesmo, bem como ao conhecimento do seu personagem. O ator é levado a descobrir os objetivos do personagem a cada cena, dentro do objetivo-geral da peça inteira. Uma forma de se conseguir isto era o "segredo" de Stanislavski. Exigia que os atores fizessem inúmeras perguntas sobre seu personagem. Por exemplo, uma das primeiras perguntas que o ator deve fazer, antes de atuar, é: O que eu faria, se estivesse na mesma situação que o meu personagem?